Veranstaltungen Forschung

Koordination: Kelsey Albright

Die ABU freut sich, im April 2027 Gastgeberin der nächsten Ausgabe der European Platform for Artistic Research in Music (EPARM) zu sein.
EPARM ist eine Initiative der European Association of Conservatoires (AEC) und dient als Ressource für künstlerische Forschung im spezifischen Kontext der musikalischen Hochschulbildung. Sie regt den Austausch von Wissen, Erkenntnissen und Ergebnissen an, fördert und entwickelt den Diskurs rund um die künstlerische Forschung, begünstigt die Entstehung neuer Ideen und Entwicklungen und bietet den AEC-Mitgliedern Unterstützung und Inspiration. Das detaillierte Programm wird demnächst veröffentlicht.

Nähere Informationen

Koordination: Till Alexander Körber
Foyer – Reinhart-von-Gutzeit-Saal – Großer Saal

16. Oktober 2026
14.00 Uhr: Eröffnung & Eröffnungsvortrag „Es ist oft anders als es scheint – die kreative Freiheit in engen Strukturen entdecken“ mit Angela Bueche (IG)
15.00 Uhr: Vortrag „PianoKino & Co – Konzertformate mit Idee und Wirkung“ mit Anna Lehner (IG)
16.15 Uhr: Vortrag „Improvisatorische Veränderungen in Chopins Mazurken à la Pauline Viardot“ mit Wolfgang Brunner
17.00 Uhr: Vortrag „Vergessene Urtiere – Verzauberte Landschaften“ mit Karen Schlimp (TAK)
Improvisieren – Komponieren – Interpretieren nach Texten und Musikstücken von Wanda Wayward
18.30 Uhr: Konzert mit dem Oö. Landesmusikschulwerk und der Musikschule Linz

17. Oktober 2026
09.30 Uhr: Vortrag „Die Kraft der Fantasie“ mit Elisabeth Eschwé (TAK)
10.30 Uhr: Vortrag „Das Nikolaus Harnoncourt Zentrum – von Tasten und Tatsachen“
14.30 Uhr: Vortrag „MozTrickBox – spielerisches Lernen im Instrumental(gruppen)unterricht“ mit Isabel Gabbe
15.15 Uhr: Diskussionsforen & Plenum
17.00 Uhr: Vortrag „Sirius 6.0 Tirolensis (AT)“ mit Annette Seiler (IG)
17.30 Uhr: Generalversammlung EPTA-Austria
18.30 Uhr: Konzert mit Sven Birch

18. Oktober 2026
09.15 Uhr: Workshop Feldenkrais „Verwandeln...?“ (AT) mit Claudia Berzé (BK)
10.15 Uhr: Workshop „Musiktheorie im Klavierunterricht (AT)“ mit Dimitrios Syringelas (BK) 
11.15 Uhr: Workshop „Popsongs spielerisch vermitteln – vom Leadsheet zur freien Improvisation“ mit Bernhard Martin Jan (TAK) 

Parallel dazu: Notenausstellungen Mayrische Musikalienhandlung – Uwe Sieblitz – LIMBA-Verlag 

Koordination: Martin Stepanik & Chris Kronreif

Das Improvisations-Symposium „ProImPro“ ist die jährlich stattfindende öffentliche Präsentation des mehrjährigen Forschungsprojekts „IM PULS“ – Aspekte und Praxis der Improvisation in aktueller Musik. In allen ihren vielfältigen Aspekten hat die Improvisation doch eine gemeinsame grundlegende Komponente. Es geht immer um den Umgang mit einer (künstlerischen) Aufgabe im Moment und ihrer praktischen Umsetzung. Die wissenschaftliche Auseinandersetzung mit Improvisation muss sich daher neben theoretischen Überlegungen und historischer Aufarbeitung vor allem mit der praktischen Umsetzung von improvisatorischen Ansätzen und einer adäquaten Dokumentation und Veröffentlichung dieser „Experimente“ beschäftigen.

Programm

Koordination: Till Alexander Körber
In Kooperation mit Ute Paporisz (Koblenz) und Prof. Claus-Christian Schuster (Wien)

Der Komponist, Pianist und Pädagoge Yoram Paporisz (1944–1992) wurde als Kind jüdischer Eltern in Polen geboren, studierte in Israel, Italien und Deutschland. Gegen die Vereinzelung des Menschen setzte Paporisz die interkulturelle Begegnung in der Musik. Ziel des Projektes war die Erschließung und Verbreitung des kompositorischen Schaffens Paporiszs. Durch das Gesamtprojekt sollte das pädagogisch wertvolle und aktuelle Schaffen erschlossen und bekannter gemacht werden.

Konzertprogramm

Konzeption und Organisation: Carolin Stahrenberg, Georg Nicklaus, Roman Duffner, Erin Lupardus, Lukas Mantovan

Die ABU freut sich, zum ersten Mal Gastgeberin der Jahrestagung der Österreichischen Gesellschaft für Musikwissenschaft (ÖGMw) gewesen zu sein. Diese Ehre zeigte die wachsende Ausstrahlung der ABU im Bereich der Musikwissenschaft, und wir genossen einen spannenden Austausch mit nationalen und internationalen Gästen zum Thema „Vergessen und Erinnern – Über Gedächtnis und Gedächtniskulturen von Musik“. Im Rahmen der Jahrestagung fand auch das Symposium der Jungen Musikwissenschaft (JuMuWi) für Studierende statt.

Jahrestagung

Vom 20. bis 22. März 2025 fand an der Anton Bruckner Privatuniversität Linz die internationale Konferenz „Rethinking Popular Music Production in Austria and Germany from 1930 to 1950 — Styles, Structures, and Stagings“ statt. Diese Konferenz wurde vom Team des WEAVE-Projekts PopPrints (Grant-DOI: 10.55776/I6627) organisiert.

PopPrints Programm

Konzept und Organisation: Irena Müller-Brozović, Hans Georg Nicklaus, Dagmar Schinnerl

In Kooperation mit mica-music austria, Plattform Musikvermittlung Österreich, IG Musikvermittlung Österreich, NJO/Netzwerk Junge Ohren, Forum Musikvermittlung an Hochschulen und Universitäten

Die Tagung beleuchtete den Musikbereich aus verschiedenen Perspektiven und brachte Akteur*innen aus künstlerisch(er) (und) vermittelnder Musizierpraxis, Management und Förderstellen in einen Austausch. Anhand aktueller Projekte und Strategien sowie in Workshops und Foren untersuchte die Tagung, wie Musikvermittlung zum Game Changer im Musikbereich werden kann.

Kurzprogramm

Vortragende:
Natalia Ardila-Mantilla, Hochschule für Musik und Tanz Köln
Michael Göllner, Universität für Musik und darstellende Kunst Wien
Johann Honnens, Universität der Künste Berlin
Julian Schunter, Gustav Mahler Privatuniversität für Musik Klagenfurt
Bianka Wüstehube, Anton Bruckner Privatuniversität Linz

Planungsteam: Katharina Knoll / Bianka Wüstehube

Der Anspruch einer Instrumental(Gesangs)pädagogik für alle ist im aktuellen Fachdiskurs allgegenwärtig. Der Potsdamer Erklärung (VdM 2014) zur Leitidee einer inklusiven Musikschule folgten zahlreiche Beispiele in der Praxis, von der Zusammenarbeit zwischen Musikschule und Schule (z. B. ELEMU, EMSA, JeKits, MeKs-MUSIK) bis hin zur Öffnung von Musikschulen für neue Zielgruppen (z. B. Projekte für geflüchtete Menschen, Musiziergruppen für Menschen im 4. Lebensalter). Welche Rolle aber spielt der Anspruch einer Instrumental(Gesangs)pädagogik, die sich an alle richten soll, in der instrumental- und gesangspädagogischen Hochschulausbildung? Hier ist eine Diskrepanz zwischen einem inklusiven Anspruch, dem im Allgemeinen zugestimmt wird, und der eigenen Zuständigkeit festzustellen. Mitunter entsteht der Eindruck, dass die Verantwortung in das Feld bestimmter Disziplinen (Elementare Musikpädagogik, Musikvermittlung) abgeschoben wird. Zusätzlich scheint sich das, was unter Inklusion verstanden wird, und die Art und Weise, wie diese gelebt wird, stark zu unterscheiden.

Das Symposium, das anlässlich des 30-jährigen Dienstjubiläums von Bianka Wüstehube stattfand, trug dazu bei, diese Diskrepanzen zu verringern bzw. deren Ursachen und mögliche Ansatzpunkte für Veränderungen zu diskutieren. Mit Blick auf das Ganze des Faches in Theorie und Praxis sowie auf die individuellen Orientierungen von Lehrenden und Lernenden sollte ein konstruktiver Diskurs angebahnt werden: Mit welchen Inklusions- und Ausschlusspraktiken sind Menschen in den Institutionen der Instrumentalpädagogik (Universität, Hochschule, Musikschule, Schulen etc.) konfrontiert? Auf welche Art und Weise tangiert sie das für alle, und wie manifestiert sich die Notwendigkeit eines Nachdenkens über Inklusion? Wie könnten Perspektiven und Konzepte, die intersektional verschiedene Weisen der Diskriminierung ins Auge fassen, aussehen, und welche (hochschul)didaktischen Implikationen ergäben sich daraus? Wie werden Ausschlusspraktiken, die den Anspruch der Diversität ignorieren, im Feld der hochschulischen IGP erlernt, und wie können sie ‚verlernt‘ werden? Wie kann sich eine diversitätsbewusste und machtsensible Haltung für die spätere Berufspraxis entwickeln, und was braucht es an Personal, Ressourcen sowie Unterstützung von Hochschullehrenden, um diesen Prozess zu begleiten? Wie lässt sich erreichen, dass Diskurse um Vielfalt etc. nicht unverbunden nebeneinander herlaufen, sondern vielmehr in einen konstruktiven Zusammenhang kommen?

Der internationale Kongress zu Ehren des 200. Geburtstages von Anton Bruckner – Bruckner Now and Then – fand vom 20. bis 23. August 2024 in Verbindung mit den Brucknertagen in Sankt Florian statt. Zu den Teilnehmenden zählten etablierte Wissenschaftler*innen und Expert*innen aus verschiedenen Bereichen aus Deutschland und Österreich, den USA und Großbritannien. Der Kongress behandelte eine Vielfalt von Themen und stand jedem, der sich für Bruckner und seine Musik interessiert, offen. 

Vorträge von Vertreter*innen der BrucknerUni: 

• Lars Laubhold: Harnoncourt’s Bruckner: From Performance to Analysis
• Markus Neuwirth: Harnoncourt’s Bruckner: From Analysis to Performance

Im Rahmen des Kongresses fand die Verleihung der Bruckner Society of America Kilenyi Medal of Honor an Matthias Giesen und Klaus Laczika statt.

Koordination: Darrel Toulon

Kooperationspartnerschaften:
CMHF Infinitus Foundation
Ludwig Boltzmann Institut für Kriegsfolgenforschung
Lern- und Gedenkstätte Schloss Hartheim

Das Symposium bot der Community der Anton Bruckner Privatuniversität, gemeinsam mit Lebensborn-Protagonist*innen, Forscher*innen und externen Gästen, die Möglichkeit, durch ein Programm aus wissenschaftlichen und künstlerischen Vorträgen, Impulsreferaten und Podiumsdiskussionen – an der Schnittstelle von Performancekunst und gesellschaftlich relevanten Themen – über Lebensborn zu reflektieren.

Das Symposium wurde als Fortsetzung eines partizipativen Workshops im April 2024 konzipiert, bei dem die Methodik des von Darrel Toulon entwickelten Docu-Dance-Theaters für eine generationenübergreifende Gruppe von Menschen mit Lebensborn-Bezug (in Lebensborn-Heimen geborene Menschen der ersten Generation, Lebensborn-Familienangehörige der zweiten und dritten Generation, Studierende der darstellenden Künste an der Anton Bruckner Privatuniversität Linz, Bürger*innen aus der Umgebung des Lebensborn-Geburtshauses „Wienerwald“ in Niederösterreich und akademische Forscher*innen) angewendet wurde, um das Vermächtnis des Lebensborn und der NS-Vergangenheit aufzuarbeiten. 

Programm

Koordination: Peter Herbert

Das Improvisations-Symposium „ProImPro“ ist die jährlich stattfindende öffentliche Präsentation des mehrjährigen Forschungsprojekts „IM PULS“ – Aspekte und Praxis der Improvisation in aktueller Musik. In allen ihren vielfältigen Aspekten hat die Improvisation doch eine gemeinsame grundlegende Komponente. Es geht immer um den Umgang mit einer (künstlerischen) Aufgabe im Moment und ihrer praktischen Umsetzung. Die wissenschaftliche Auseinandersetzung mit Improvisation muss sich daher neben theoretischen Überlegungen und historischer Aufarbeitung vor allem mit der praktischen Umsetzung von improvisatorischen Ansätzen und einer adäquaten Dokumentation und Veröffentlichung dieser „Experimente“ beschäftigen.

Nähere Informationen

International Dance Research Festival
ABU (Studiobühne), Pfarrkirche Urfahr – St. Josef, Kunstuniversität Linz (Audi Max)
Concept and organisation: Univ.-Prof. Rose Breuss, Damián Cortés Alberti, Polina Kliuchnikova

The second edition of the Share-Rosenberg Festival focused on dance research from the perspective of professional dancers. Theoretical questions on the practice of orality in the transmission of dances, written artefacts such as notations and scores in the context of digitalisation as well as epistemological and local specific approaches to dance techniques formed the field of investigation and discourse. This part of the Share-Rosenberg Festival took place in cooperation with the Linz University of Art, Miriam Althammer, Paris Lodron University Salzburg, and Claudia Jeschke, Limbo Arts Studios.

Under the motto Cloud Dances, Master’s students from the Dance programme at the Anton Bruckner Private University worked on a joint production as part of the international cooperation SHARE with students from the dance department at the University of Goce Delchev North Macedonia, the Latvian Academy of Culture in Riga, the Budapest Contemporary Dance Academy, and Akademie múzických umění v Praze (Praha). In a workshop preceded by joint online meetings, the usual ‘group practice’ in dance was scrutinised in theory and practice and questioned in an artistically creative way.

Another part of the festival gathered different dance communities such as guests from the Folkwang University of the Arts in Essen with, among others, Noa Eshkol Dances, and the South Korean A!KO Dance Festival.

„¿ZIEL:SICHER!“ – ist ein oberösterreichisch-niederösterreichisches gemeinnütziges Sozialprojekt für langzeitarbeitslose Menschen aus dem Raum St. Pölten, Mitarbeiter*innen der Gemeinnützigen Sanierungs- und Beschäftigungs GmbH (GESA) und Studierende der Anton Bruckner Privatuniversität. Das Projekt begann im November 2022 mit künstlerischen Aktivitäten im „Haus des Lernens“ in St. Pölten und hat sich in den darauffolgenden Monaten über vielfältige Interaktionen und Begegnungen zwischen den Beteiligten auch in die offene Landschaft Niederösterreichs ausgeweitet. Das altersübergreifende und interkulturelle Projekt wurde von Darrel Toulon konzipiert und gemeinsam mit GESA-Bereichsleiterin Traude Fasching entwickelt.

„¿ZIEL:SICHER!“ basiert auf dem Pilot-Projekt „IN THE NAME OF THE FATHER“ und greift die von Darrel Toulon erforschte und entwickelte Methode des Docu-Dance-Theaters auf. Darin interagierten langzeitarbeitslose Menschen mit Studierenden der darstellenden Künste (BA und MA Tanz, BA Komposition) zur Transformation ihrer Biografien durch künstlerische Interventionen. Der fünftägige Kick-off-Workshop von „¿ZIEL:SICHER!“ umfasste Körpertraining, Anwendung zeitgenössischer Tanztechniken, darstellerische Übungen, Raumwahrnehmung, Kollektivbildung und Kontaktimprovisation sowie eine Choreographie von Tanzminiaturen. Diese wurden schließlich unter der künstlerischen Leitung von Darrel Toulon einem ausgewählten Publikum präsentiert. Das Symposium „Artistic Documentation of the Project ZIEL:SICHER“ auf der Studiobühne der ABU bot allen Teilnehmer*innen, Stakeholder*innen sowie Förder*innen die Möglichkeit, den Prozess durch ein Programm aus wissenschaftlichen und künstlerischen Präsentationen, Impulsvorträgen und einer Podiumsdiskussion zu reflektieren.

Der Kurzfilm „¿ZIEL:SICHER!-looking back“ (Kamera und Schnitt: Jura Branellec, Regie: Darrel Toulon) dokumentierte die verschiedenen Phasen des Prozesses und feierte auf diesem Symposium seine Weltpremiere.

Das Projekt wurde von der Stiftung CMHF Infinitus gefördert und ist exemplarisch für die Third Mission der Universität, die Studierende der Universität in unmittelbaren und direkten Dialog mit der Gesellschaft bringt.

Programm zum Symposium

Wie von Geisterhand

Vom 18. bis 20. Jänner gastierte das Forschungsprojekt „Magic Piano“ der Hochschule der Künste Bern (HKB) an der Anton Bruckner Privatuniversität.
Mit Manuel Bärtsch, Sebastian Bausch (HKB), Martin Elste (Berlin) und Lars Laubhold (ABU).

Einspielungen auf Welte-Mignon-Klavierrollen konnten das Klavierspiel des frühen 20. Jahrhunderts mit beeindruckender Genauigkeit aufzeichnen und wieder hörbar machen. In den letzten 12 Jahren wurden Klavierrollen als Interpretationszeugnisse von Komponisten und Pianist*innen der vorletzten Jahrhundertwende an der HKB breit erforscht. Durch Workshops, Vorträge, Konzerte, Diskussionen, vor allem aber auch durch eigenes Tun, sollten Erkenntnisse und Resultate dieser Forschungsleistungen Studierenden und Lehrenden der ABU sowie einem interessierten Publikum vermittelt werden. Bewussteres Hören und freieres Spiel waren dabei die Hauptziele, um Interpretation als eigene Disziplin kennenzulernen.

Perspektiven und Modelle eines künstlerischen Instrumental- und Gesangsunterrichts
Symposium anlässlich der Emeritierung von Peter Röbke

Veranstaltungsort:
Joseph Haydn-Saal, Anton-von-Webern-Platz 1, 1030 Wien

Kooperation des Fachbereichs IGP am Institut für musikpädagogische Forschung, Musikdidaktik und Elementares Musizieren der mdw mit der Hochschule für Musik und Tanz Köln, der Universität der Künste Berlin und der Anton Bruckner Privatuniversität Linz

Planungsteam:
Elisabeth Aigner-Monarth, Universität für Musik und darstellende Kunst Wien
Natalia Ardila-Mantilla, Hochschule für Musik und Tanz Köln
Ivo Berg, Universität der Künste Berlin
Markus Göller, Universität für Musik und darstellende Kunst Wien
Hannah Lindmaier, Universität für Musik und darstellende Kunst Wien
Bianka Wüstehube, Anton Bruckner Privatuniversität Linz

Programm Ankündigungstext zum Symposium Plakat zur Veranstaltung

Symposium und Workshop in Kooperation mit der ABU Linz und dem Lehár-Festival Bad Ischl

Das Symposium wurde als Inventur unseres Wissens zu dem vor 150 Jahren geborenen Komponisten Franz Lehár konzipiert. Was wissen wir über ihn, über seine Werke – auch jenseits der „Lustigen Witwe“? In welchen historischen Kontexten sind seine Werke entstanden, auch diejenigen, die seltener aufgeführt werden? Wie haben sich die Werke und das Bild, das wir uns von ihnen machen, im Laufe ihrer Auffürungsgeschichte verändert? Wie lassen sich die darin zutage tretenden Strategien der Konstruktion und Inszenierungen von Geschlecht, Ethnie und sozialer Gruppe in heutigen Produktionen einfassen oder brechen? 

Eine beispielhafte Tiefenbohrung wurde bei der Entstehung- und Aufführungsgeschichte des Bühnenwerks „Die gelbe Jacke“ und dessen Weiterentwicklung zum „Land des Lächelns“ sowie bei den Möglichkeiten und Problemen vorgenommen, die Werke Lehárs wie auch anderer Vertreter des populären Musiktheaters kritisch zu edieren.

Sigurd Leeder und Karin Waehner: Didaktische Vermittlung choreographischer Verfahren und ihrer Tanztechniken anhand des zeitgenössischen Werkrepertoires

Koordination: Annette Lopez Leal, Bruno Genty

Koordination: Carin van Heerden

Ein Jahr lang beschäftigte sich das Institut für Alte Musik und Historische Aufführungspraxis mit den Lechler Manuskripten aus Stift Kremsmünster und nahm dabei konkrete Themen unter die Lupe: die Entstehung und Bedeutung der Manuskripte, den Kontext des regionalen und internationalen Bezugs, aufführungspraktische Hinweise zur Ornamentik und ihre Umsetzung, Untersuchungen an Instrumentalensemlebildungen wie in der Partitur vorgegeben, Bezugnahme des erhaltenen Instrumentariums in Stift Kremsmünster und im Linzer Landesmuseum. Die bisherige Auseinandersetzung beinhaltete Vorträge, Exkursionen nach Stift Kremsmünster und in die Instrumentenausstellung im Linzer Landesmuseum, Edierungsarbeit im Rahmen des Studiums und Workshops mit namhaften Gästen an ausgewählten Werken aus den Manuskripten.

Das Symposium beschäftigte sich mit Themen, die einen ausgesprochen spielpraktischen Bezug zum Forschungsgegenstand darstellten. Die Themen reichten von musikhistorischen Fragen über aufführungspraktische Konsequenzen (mit praktischen Beispielen) für Sänger*innen und Instrumentalist*innen anhand des überlieferten Instrumentariums und dem aktuellen Stand historischer Gesangstechniken. Dazu wurden renommierte Gäste aus dem In- und Ausland geladen.

Koordination: Peter Herbert und Martin Stepanik

Das vom Institut für Jazz und Improvisierte Musik (JIM) der Anton Bruckner Privatuniversität initiierte Improvisations-Symposium „ProImPro 2019“ ist der öffentliche Startpunkt des mehrjährigen Forschungsprojekts: „IM PULS“ – ASPEKTE und PRAXIS der IMPROVISATION in AKTUELLER MUSIK

• „IM PULS“ ist primär ein Forschungsprojekt aller Dozent*innen des JIM, das aber grundlegend von universitärer/universeller Vernetzung und Kooperation ausgeht.
• „IM PULS“ verbindet die jahrzehntelangen, persönlichen, künstlerisch-wissenschaftlichen Erfahrungen der beteiligten Dozent*innen mit einer strukturierten & dokumentierten, gemeinsamen & mehrjährigen Forschungsphase und einem abschließenden internationalen Symposium zu einer fundierten Ausgangsbasis für eine weiterführende Erforschung der Improvisation in allen ihren vielfältigen Aspekten.
• „IM PULS“ schafft Wissen durch Veröffentlichung eigener Versuchsanordnungen / Prozesse / Dokumentationen auf einer speziell dafür installierten Plattform.
• „IM PULS“ vermehrt Wissen durch ein offenes Diskussionsforum, dessen relevante Beiträge geordnet in den „Fundus“ der „IM PULS–Plattform“ integriert werden.

In allen ihren vielfältigen Aspekten hat die Improvisation doch eine gemeinsame grundlegende Komponente. Es geht immer um den Umgang mit einer (künstlerischen) Aufgabe im Moment und ihrer praktischen Umsetzung. Die wissenschaftliche Auseinandersetzung mit Improvisation muss sich daher neben theoretischen Überlegungen und historischer Aufarbeitung vor allem mit der praktischen Umsetzung von improvisatorischen Ansätzen und einer adäquaten Dokumentation sowie Veröffentlichung dieser „Experimente“ beschäftigen.

Der Begriff „Aktuelle Musik“ wurde von uns im Bewusstsein seines kontroversen Potentials gewählt. Es geht uns dabei um eine Öffnung des Themas Improvisation über alle Genre-, Stil- und Kulturgrenzen hinaus. „Aktuelle Musik“ ist jede Musik, die zur Zeit auf diesem Planeten gespielt wird, und wir möchten sie, natürlich mit entsprechenden Spezialist*innen als Kooperationspartnerschaften, auf ihren „Improvisationsgehalt“ untersuchen.

Was haben RAP, DADA und Alte Musik gemeinsam?
„Sprech-Künste“: vier Ateliertage an der BrucknerUni vom 8.–11. Jänner 2019

Koordination: Carin van Heerden und Hans Georg Nicklaus

Sprech-Künste: rhythmisch-klangliche Artikulationen mit Merkmalen der Rhetorik wie Wiederholungen, Pausen, Metren, mit gezieltem Gebrauch von Tempo, Tonhöhe und Lautstärke. Sie vertrauen auf die Kraft der Artikulation mehr als auf eine mathematische Ordnung oder bildliche Nachahmung (Tonmalerei).

Die Ateliertage „Sprech-Künste“ der BrucknerUni haben in Workshops, Vorträgen, Konzerten und Lecture Performances den inzwischen weit verbreiteten Topos der „Klangrede“ (von Mattheson 1739 geprägt, von Harnoncourt populär gemacht) in den verschiedensten Facetten auf die Probe gestellt: nicht historisch auf Alte Musik beschränkt, nicht normativ als aufführungspraktische Forderung, nicht als Synthese verschiedenster Musikformen, sondern die auch widersprüchliche Vielfalt dieses – durchaus speziellen – Umgangs mit Klang bewusst und provokant herausgefordert. RAP (Yasmo), DADA (Jaap Blonk, Otto M. Zykan, Raoul Hausmann), Alte Musik (ausgehend etwa von ‚alten’ Rezitationen Alexander Moissis bei Claire Genewein und Jed Wentz, der überdies auch die Mimik und Gestik der Schauspielkunst für die Interpretation Alter Musik virulent machte) oder ein Rhetoriktraining für Musiker*innen (Katrin Müller-Höcker, die nicht das Rhetorische der Musik, sondern das Musikalische unseres Sprechens in einem Workshop erfahrbar machte): Dies alles und vieles mehr stand vier Tage lang im Zentrum verschiedenster Veranstaltungen, die offen waren für Gäste sowie Studierende aller Richtungen.

Ob Musik eine Sprache ist, war nicht das Thema. Es ging um das Sprechen, die Verfahren des Artikulierens und klanglichen Argumentierens. In einem Vortrag von Gerald Resch, der seiner eigenen Komposition „Figuren“ für Klarinette solo (live vorgetragen von David Lehner) gewidmet war, wurde deutlich, in welchem Ausmaß auch zeitgenössisches Komponieren von rhetorisch-motivischen Verfahrensweisen geprägt sein kann. Das Gleiche gilt für Helmut Schmidingers „KlangReden“ für Blockflöte, Streicher und Cembalo (eine Auftragskomposition für die Eröffnung der donauFestwochen im Strudengau, 2018), die hier von Lehrenden und Studierenden des Instituts für Alte Musik aufgeführt wurde. 

Aber was wäre ein Topos oder Motto ohne Begrenzungen? Beliebigkeit! Genau das waren die „Sprech-Künste“ trotz interdisziplinärer und genreübergreifender Vielfalt nicht: Es wurden auch die Grenzen von Rhetorik und Musik sichtbar. Ein Vortrag von Lars Laubhold machte deutlich, dass Harnoncourts oftmaliger Verweis auf Textierungen von musikalischen Themen oder Motiven, wie sie der Musikwissenschaftler Arnold Schering in den Dreßigerjahren des vergangenen Jahrhunderts vorgenommen hat, ein kreatives Missverständnis war. Ohne Zweifel hat es die Vielfalt und Genauigkeit der Artikulation in den Interpretationen des großen Dirigenten beflügelt und einen Meilenstein in der Interpretationsgeschichte gesetzt. Die Textierungen Scherings waren jedoch der Idee einer Programmmusik verpflichtet, die angeblich konkrete Szenen, Inhalte und Botschaften vermitteln will (damit der alten Idee einer Rhetorik zutiefst widersprechend), und der letztlich prekäre Heilsbotschaften und der Ruf nach einem Führer unterstellt wurden. Damit hat das ausgerufene Motto dieser Ateliertage seine eigenen Grenzen reflektiert, zugleich aber vier Tage lang einen Kosmos von Verfahrensweisen, Aspekten, Techniken und Wirkungen der Sprech-Künste aufgezeigt.

Workshops

In fünf gut besuchten Workshops wurde die Ausdruckskraft der Stimme und des Sprechens erlebbar, das Handwerk des Mundwerks wurde quasi in die Mitte gerückt; die Verbindung von Praxis und Theorie war höchste Priorität. So wurden beispielsweise die Aussagen und Darstellungsmöglichkeiten von Rezitativen (Claudio Monteverdi, Georg Friedrich Händel, Georg Philipp Telemann und Johann Sebastian Bach) unter der Leitung von Anne Marie Dragosits nachgespürt und erörtert. Unterstützende Parameter des Textes wurden ebenso für das Continuospiel am Cembalo erklärt und probiert. Wie in vielen Quellen beschrieben, bleibt die Voraussetzung für eine überzeugende Erzählung des Textes ein intellektuelles und emotionales Verständnis für das einzelne Wort und seine klangliche Kraft und, im weiteren Verlauf, für den textlichen Zusammenhang.

Ein weiterer Workshop, von Elisabeth Wiesbauer und Claire Pottinger geleitet, richtete sich an alle Studierende der Streichinstrumente. Er lud zu einer Erkundung des Werkzeugs ein, womit ein Streichinstrument „zum Sprechen“ zu bringen ist. Was sagen die Quellen einerseits zu dem „sprechenden Bogen“, und wie sowie warum hat sich der Bogen über die Jahrhunderte verändert? Was können wir andererseits aus der Syntax der Musik (takthierarchische, harmonische oder melodische Betonungen) in Bezug auf die Verwendung des Bogens lernen? Anhand von Werken von Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel und theorethischen Quellen des 17. und 18. Jahrhunderts ging man diesen Fragen auf den Grund.

Katrin Müller-Höcker präsentierte einen (oben schon erwähnten) Workshop mit dem Titel: „Durch Stimme wirken! Zur Musikalität des Sprechens“. Anwesend waren Studierende aus fast allen Instituten. Schrittweise wurden die Teilnehmer*innen in das große und spannende Gebiet der Stimme geführt. Parameter wie Tempo, Lautstärke, Klangfarbe, Artikulation oder Absicht wurden lebhaft erkundet. Dieser Workshop hat vermutlich dem Zweck der interdisziplinären Ateliertage „Sprech-Künste“ am meisten entsprochen: Nicht nur wurde es von Studierenden aller Studienrichtungen wahrgenommen, sondern die Studierenden schätzten vor allem die Gelegenheit der gemeinsamen und aktiven Arbeit mit einem ihnen zunächst unbekannten „Werkzeug“. 

In seinem experimental workshop arbeitete Jed Wentz mit drei verschiedenen Ensembles (Werke von Johann Gottlieb Graun, Jakob Friedrich Kleinknecht und Giovanni Stefani) und zeigte in der Praxis das, was er in seinem Vortrag am Tag zuvor behandelte. Woran erkenne ich Affekte in der Instrumental- und der Vokalmusik, was sind die Mittel, mit denen ich sie möglichst differenziert, überzeugend und eloquent erzählen kann? Die langjährige und fundierte Auseinandersetzung des Dozenten mit allen Darstellungsformen im 17. und 18. Jahrhundert machte neugierig und ließ erahnen, was ein intensives Studium dieses Themas mit sich bringen würde.

Der Workshop „Stimme – Text – Klang – Improvisation“ wurde von Studierenden und Lehrenden aus den Bereichen Musik und Schauspiel ebenfalls mit großem Interesse wahrgenommen. Zunächst stellte Jaap Blonk seine künstlerische Arbeit in einer Lecture Performance vor. Er präsentierte verschiedene von ihm selbst entwickelte Notationssysteme und erläuterte sein methodisches Vorgehen. Im Workshop wurde auf sehr spielerische Weise mit Klangpoesie, Sprechklängen und unterschiedlichen Rhythmen improvisiert, dabei entwickelten sich aus den Stimmklängen immer mehr auch spielerische körperliche und gestische Vorgänge. Den Abschluss bildete eine sehr dynamische chorische Gruppenimprovisation, zu der jede*r Teilnehmende eine kurze Soloeinlage beisteuerte.

Programm

Vom 24.–25. November fand an der Anton Bruckner Privatuniversität der 33. Jahreskongress der EPTA Österreich statt. Das Diskussionsforum Klavierpädagogik stand dabei unter dem Motto „Reden wir über …“. Für die Eröffnung des Kongresses konnte Armin Thurnher, Herausgeber und Chefredakteur der Wochenzeitschrift Falter, für ein Impulsreferat gewonnen werden.

Eine Veranstaltung in Kooperation mit dem Ars Electronica Festival

Projektbeteiligte:
Volkmar Klien: Projektleitung/Ansprechperson an der ABU
Enrique Tomás: Forschungsmitarbeiter an der Kunstuniversität Linz im Bereich Tangible Music
Ko-Organisator*innen Sonic Saturday, ABU: Se-Lien Chuang, Andreas Weixler
Karin Harasser: Kunstuniversität Linz
Salomé Voegelin: Sound Arts, London College of Communication, University of the Arts London, UK
Gerhard Widmer: JKU, Institute for Computational Perception

Das Sonic Saturday Symposium ist ein Symposium unter Teilnahme internationaler Künstler*nnen und Theoretiker*nnen, das sich primär an eine Zuhörerschaft aus den während des Festivals in Linz anwesenden Spezialist*innen im Bereich digitaler Musik aus aller Welt wendet. In den vergangenen beiden Jahren konnte sich das Symposium als digital music focus des Festivals bestens etablieren. Das Symposium wurde in Zusammenarbeit mit Enrique Tomás, einem Mitglied der neu gegründeten Tangible Music Group (Leitung: Univ.-Prof. Martin Kaltenbrunner), am Institut für Medien der Kunstuniversität Linz organisiert.

Critical Friends mit Hermann Schneider und dem Publikum des MusikTheaterLabors am 19.06.2018 im Landestheater
Moderation: Constanze Wimmer

Lecture Performance mit Gerhard Stäbler, Daniel Ott, Manos Tsangaris, Jennifer Torrence und Trond Reinholdtsen
Koordination: Carola Bauckholt

Projektpartner:
Ao. Univ.-Prof. Wolfgang Brunner, Initiator (Universität Mozarteum Salzburg)
Univ.-Prof. Dr. Lars-Edvard Laubhold, wissenschaftliche Beratung (ABU/Kremsegg)
Musikinstrumentenmuseum, Schloss Kremsegg

Das Musikinstrumentenmuseum Schloss Kremsegg bewahrte in seinen Beständen ein wertvolles Salterio von Antonio Battaglia. Das Museum nahm dies im März 2018 zum Anlass, mit einem Symposium zur Geschichte dieser Instrumentengattung ein Forum für die Spezialist*innen des Instrumentes (Musiker*innen und Forschende) zu bieten.

Das Symposium verstand sich als ein Forum, das einer verstreuten Community Gelegenheit zum Austausch und zur Diskussion neuester Erkenntnisse und Entwicklungen biete. Im Sinne einer fächerübergreifenden künstlerisch-wissenschaftlichen Forschung fanden sich unter den Referentinnen und Referenten Musikhistoriker und Organologen ebenso wie ausübende Künstlerinnen und Künstler, Instrumentenmacher und Restauratoren, die in Übersichtsdarstellungen zu Instrumentenbau und -gebrauch, zur Ikonographie oder zum Repertoire das Thema ebenso beleuchten wie in Fallstudien zu einzelnen Instrumenten oder Musikern.

Internationales Symposium zur Natur und Natürlichkeit auf der (Musik)Theaterbühne

Programm Einführungveranstaltung